ABSTRACTION: between Representation and Non-representation: Oliver Arms, George Condo, Derek Fordjour, Antony Gormley, Yayoi Kusama, Linn Meyers, Chris Ofili, Ugo Rondinone, Emily Mae Smith, Mary Weatherford

Jason Haam is pleased to present ABSTRACTION: between Representation and Non-representation, a group exhibition featuring works by Oliver Arms, George Condo, Derek Fordjour, Antony Gormley, Yayoi Kusama, Linn Meyers, Chris Ofili, Ugo Rondinone, Emily Mae Smith, and Mary Weatherford.

The concept of pure abstraction, or non-objective art was first explored in the early 1900s with artists such as Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, and Robert Delaunay—and was later championed by art critic and formalist Clement Greenberg beginning in the 1930s. Since then, Contemporary Art has existed along a continuum between representation and non-representation, with varying degrees of abstraction. The exhibition explores the complexity of defining abstraction in painting today while presenting multiple approaches that range on the spectrum from representation to non-representation.

Throughout the history of painting, the main objective of art was to portray and replicate likeness in reality. Art today has progressed in such a way that it is possible to still demonstrate likeness without replicating its exact visual features. Works by Emily Mae Smith, George Condo, and Yayoi Kusama are on view in the gallery’s first exhibition hall, demonstrating ways in which artists have reimagined past art historical genres.

Kusama’s Fruits (1984) portrays a traditional still life, executed in the style of the artist’s signature infinity nets. Similarly—Emily Mae Smith and George Condo both combine historical subjects and contemporary references to create works that are reimagined with each artist’s own visual language and style. Smith’s Devouring Saturn (2018) playfully reinterprets Francisco Goya’s famous painting—Saturn Devouring His Son (1819-1823)—while Condo provides a contemporary interpretation of religious iconography in The Virgin Mary (2009).

In the gallery’s second exhibition hall, Mary Weatherford’s Switching Yard (2016) faces Ugo Rondinone’s elfterjulizweitausendundfünfzehn (2015). Weatherford’s iconic abstract canvases with strategically placed neon lights directly reference specific places and memories from the artist’s own experience. In conversation with Weatherford’s abstracted landscape, Rondinone’s cloud painting compliments the scene with its animated form and seemingly endless sky filled with gradient blue hues.

In the third exhibition hall, works by Linn Meyers and Yayoi Kusama are on view. Both Kusama’s ceaseless exploration of infinity—in INFINITY-DOTS [NFE] (2015)—and Meyers’s intuitive resolution between chaos and order—in Untitled (2020)—explore conceptual thought and unforeseen forces through visual form.

In the gallery’s fourth exhibition space, works related to human form, experience, and emotion are on display. Antony Gormley’s SMALL PUSH III (2019) provides an abstracted Cubistic rendition of the human form, while Derek Fordjour’s Couplet 30 (2018) provides an image of the human form abstracted through physical elements, such as fragments of newspaper and cardboard.

Chris Ofili’s Dancers in Blue (2006) and Oliver Arms’s Midwife (2012-2013) portray an abstraction of the human experience and emotion through formal visual elements. Although lacking in any form of figuration—as its title suggests—the warm yellowish hues in Arms’ work evoke and recall feelings associated with warmth and maternal affection. Similarly, in Ofili’s work, two figures are clearly outlined, but it is the deep blue hues imbued throughout the work that create an enigmatic ambiance—demonstrating the ways in which color becomes a formal device to suggest human emotion and experience.

제이슨함은 10인의 작가들로 구성된 그룹전 «ABSTRACTION: between Representation and Non-representation» 을 개최한다. Oliver Arms, George Condo, Derek Fordjour, Antony Gormley, Yayoi Kusama, Linn Meyers, Chris Ofili, Ugo Rondinone, Emily Mae Smith, 그리고 Mary Weatherford까지 다양한 작가들의 작품을 소개하는 이번 전시는 2020년 9월 10일 부터 2020년 11월 3일 까지 진행된다.

‘ABSTRACTION(추상)’ 혹은 비대상 예술의 개념은 Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, 그리고 Robert Delaunay를 비롯한 작가들을 중심으로 20 세기 초에 처음 구축되었다. 이후 1930년도에 이르러서는 미술 평론가 Clement Greenberg의 옹호를 받으며 대중적인 지지를 얻기 시작했다. 본 전시는 구상에서 비구상에 이르기까지 다양한 접근을 시도하며 현대 회화 속 추상, 그 복합성에 대해 탐구한다.

미술사 속 회화의 주된 목적은 눈에 보이는 현실을 최대한 객관적이고 사실적으로 재현해내는 것이었다. 이를 기반으로 발전하여 오늘 날의 미술은 시각적 요소들을 화면에 일차원적으로 옮기지 않더라도 현실을 표현할 수 있게 되었다. 각기 다른 역사적 장르와 주제, 더 나아가 기존의 명화를 재해석한 Emily Mae Smith, George Condo, 그리고 Yayoi Kusama의 작품은 첫번째 전시실에서 소개된다.

Kusama의 (1984) 는 작가의 상징인 인피니티 네트를 통해 과거 여러 작가들에 의해 다뤄졌던 정물화를 새롭게 그려낸다. 또한, Emily Mae Smith와 George Condo 모두 역사적인 소재와 현대적인 레퍼런스를 결합시켜 작가들 본인만의 시각 언어와 스타일로 재구성시킨다. Condo가 (2009) 를 통해 종교적 성상을 현대적으로 풀어낸다면, Smith의 (2018) 은 스페인의 거장 Francisco Goya의 대표작인 (1819-1823) 을 본인만의 방식으로 유쾌하게 재해석했다.

두번째 전시실에는 Mary Weatherford의 (2016) 와 Ugo Rondinone의 <elfterjulizweitausendundfünfzehn> (2015) 가 마주하고 있다. Weatherford의 대표작으로 손꼽히는 네온 조명이 배치된 비구상의 캔버스는 작가의 지극히 개인적인 경험에서 비롯된 장소와 기억을 바탕으로 전개되며, 이와 함께 Rondinone 의 클라우드 페인팅은 하늘 고유의 색감, 그리고 생동감 있는 형상 모두를 만족시키며 그 장면을 완성시킨다.

이어서 Linn Meyers와 Yayoi Kusama의 작품이 세번째 전시실에서 계속된다. (2015) 속 Kusama의 무한함에 대한 끊임없는 탐구와 (2020) 속 Meyers가 선보이는 질서와 무질서 사이의 직관적인 고찰은 관념적인 생각과 더불어 마주해본 적 없는 힘을 시각적으로 풀어낸다.

끝으로, 사람의 형상, 경험, 그리고 감정을 비구상적인 이미지를 통해 풀어내는 작업들이 네번째 전시실에서 다뤄진다. Derek Fordjour의 (2018) 가 카드보드지나 신문지의 조각과 같은 물리적인 요소를 통하여 사람의 형상을 해체시킨다면, Antony Gormley의 (2019) 는 그 형체를 입체적으로 추상화시킨다.